Ho studiato a Bologna, ma l’ho vissuta poco, perché lavoravo e andavo all’università solo quando necessario, da pendolare. Ho lavorato e lavoro tutt’ora nell’accoglienza turistica in Emilia Romagna, ma questo museo, mea culpa, me lo ero proprio perso.

Poi un giorno, potere di internet, in base ai miei interessi, Facebook mi ha proposto questa mostra: “Le plaisir du vivre. Arte e moda del Settecento veneziano dalla Fondazione Musei Civici di Venezia”.

E così un mattino in odor di lockdown, senza pensarci troppo, ho preso un treno per la sempre bella Bologna. Il Museo si trova in Strada Maggiore e varcando il portone si entra letteralmente in un’altra epoca.

Il fondatore del museo, Francesco Malaguzzi Valeri, decise di riallestire la quadreria e la collezione d’arti applicate in un percorso che riproducesse un appartamento arredato del Settecento bolognese. Era il 1920 e la mostra di cui vi parlerò è stata voluta proprio per celebrare il centenario del museo.

Nella prima sala ci sono numerosi ferri battuti, bronzi ornamentali, strumenti da fabbro, che fanno parte della collezione degli oggetti “industriali”. Qui si trovano anche i primi due abiti, uno rosa da uomo e uno da a righe da donna.

Gli abiti e gli oggetti della mostra (cappelliere, scarpine da ballo, ventagli ricamati), provengono dalla Fondazione Musei Civici di Venezia e sono esposti secondo la stessa filosofia dell’esposizione permanente, ovvero l’idea di rievocare il «fastoso Settecento», con il suo corredo di ricchi mobili, ori, oggetti legati alle abitudini di vita di cavalieri e dame affaccendati nei rituali della mondanità.

All’interno del museo ci sono collezioni di porcellane, mobili rococò, consoles, cornici, un’incredibile “palazzina delle bambole” e una meravigliosa carrozza, tutto settecentesco e gli abiti dialogano in maniera perfetta con l’ambientazione.

Nella sala della carrozza, ad esempio, c’è un manichino in livrea; nella quadreria un abito da giorno (sopravveste) dai dettagli preziosi. L’opulenza del Settecento veneziano deriva anche dal tentativo di mantenere il primato di eleganza e di produzione di stoffe pregiate conteso con la Francia. Lo stile veneziano però non era più all’avanguardia e le dame dell’alta borghesia e nobiltà sfidavano le leggi suntuarie e l’amor patrio per avere, anche di contrabbando, le stoffe di Lione.

La mostra è ovviamente in pausa, ma è programmata fino al 21 settembre.

Qui trovate le info e gli orari di apertura:

http://www.museibologna.it/arteantica/eventi/51895/date/2021-02-25/id/103553

Segnalo inoltre che sulla pagina Facebook dei Musei Civici potete trovare degli interessanti video di approfondimento, molto divertente quello sulla vestizione delle dame!

L’imponente ritratto dell’attrice Lina Cavalieri, “la donna più bella del mondo”, secondo le cronache del tempo, mette in luce la sua bellezza classica e senza tempo. Corcos valorizza la silhouette “a S” sottolineata dall’abito aderente in vita e con le spalline mollemente abbassate. Il ricamo dell’abito, dettagliato nella parte superiore, sfuma in pennellate fugaci nello strascico, contribuendo a creare un atmosfera rarefatta e sognante, come se l’attrice fosse una creatura da fiaba.

Il ritratto, sempre di grandi dimensioni, della nobildonna Elisa Corazzini appare invece molto più aderente alla realtà e con una resa quasi fotografica dell’abito e soprattutto del prezioso ricamo della scollatura e delle spalline.

Volete sentirvi anche voi una dama della Belle Epoque? Sedetevi sulla panchina dove è stato ricreato il set del celebre ritratto “Sogni” e cercate di riprodurre l’espressione indecifrabile della ragazza. Non dimenticate guanti e maniche a sbuffo!

Trovate qui le info sulla mostra: https://www.palazzopallavicini.com/

Ecco una delle mie, tra un Google Art&Culture e l’altro…una vera e propria mostra virtuale sul sito del Museum of the city of New York

WORTH&MAINBOCHER: Demystifying the Haute Couture

Charles Frederich Worth fu il primo creatore di haute couture, nel senso moderno del termine. Nato in Inghilterra nel 1825, iniziò come commesso in un grande magazzino di tessuti e poco più che ventenne partì per Parigi, dove iniziò il suo lavoro di sarto. Contemporaneamente incontrò Marie Vernet, modella con un grande fiuto per gli affari. In pochi anni riuscì ad aprire un atelier tutto suo.
Il suo debutto nella società avvenne in seguito all’acquisto da parte della principessa di Metternich, nipote del grande statista del Congresso di Vienna, di due suoi abiti che le furono offerti a prezzi stracciati proprio da Marie Vernet. In occasione di un ballo, la principessa ne sfoggiò uno e suscitò l’ammirazione dell’imperatrice Eugénie, consorte di Napoleone III che non tardò a divenire anch’essa affezionata cliente della maison Worth. Fu così nominato suo fornitore ufficiale e divenne sarto di corte nel 1864.

Fu uno dei primi a prevedere il successo della crinolina e ne determinò le evoluzioni aumentandone e riducendone l’ampiezza: negli ultimi decenni dell’Ottocento decise di abbandonare la silhouette romantica contraddistinta dalla sottogonna e si impose un nuovo tipo di linea verticalizzante, dove la figura femminile era modulata secondo “serpentine sinuosità” accentuate artificialmente sul dietro, grazie all’uso di una sorta di cuscini, e messe in risalto da vitini da vespa. La sua prima modella d’eccezione per la nuova linea fu l’imperatrice Elisabetta d’Austria, l’indimenticabile Sissi.

Main Rousseau Bocher, nato a Chicago nel 1929, fu il couturier delle dive, oltre che delle dame dell’alta società. Vestì Mary Pickford, Constance Bennett, Claudette Colbert, Irene Dunne, Loretta Young; la sua cliente più fidata fu però Wallis Simpson, a cui dedicò anche un colore, il “Blu Wallis“. Disegnò per lei anche l’abito di nozze con Edoardo VIII, il duca di Windsor (che aveva abdicato al trono per poter coronare il suo sogno d’amore), descritto dai cronisti come “il vestito più fotografato e più copiato di tutti i tempi”. Fu l’inventore dell’abito senza spalline e anticipò di circa otto anni le linee di Dior e il ritorno del “vitino da vespa” sottolineato da gonne ampie.

Sul sito del Museum of the city of New York si trovano tutte le immagini di una mostra virtuale dedicata ai due maestri: 57 modelli di Worth e 62 di Mainbocher, che percorrono un periodo lungo un secolo.

Buona visita!
▶  https://collections.mcny.org/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MNYO28_4

Non è incentrata sulla vita di Fellini, pur essendoci una mappa con le date più importanti e pur essendoci una sezione dedicata ai suoi disegni (pochi in versione originale, alcuni digitalizzati su un maxi libro touch screen dove le pagine si sfogliano virtualmente).

Non è incentrata sul rapporto di Fellini con la città, anche se c’è una sala dedicata ad Amarcord con foto del set e della Rimini degli anni Settanta.

Non è incentrata sulle sue opere, pur essendo tutte citate o proiettate in qualche frammento.

Non è incentrata sui suoi indimenticabili personaggi, anche se c’è una sala in cui attraverso proiezioni dialogano virtualmente tra loro.

Non ci sono molti cimeli, io ho notato solo una teca con alcuni copioni e una sala con alcuni costumi del maestro Danilo Donati (dei film Casanova del 1976 e Roma del 1972) non molto illuminati e non molto valorizzati.

La didascalia per capire di che costumi si tratti è in un angolo della stanza, non immediatamente visibile. Scarsissimi anche i riferimenti alla moglie e compagna di set Giulietta Masina, solo un accenno nell’ultima sala.
Insomma, nel complesso esteticamente piacevole, ma uscendo avevo la spiacevole sensazione che la mostra non mi avesse lasciato niente.                    Nessuna conoscenza ulteriore rispetto a quanto non sapessi già su Fellini (e non mi reputo un’esperta), nessuna grande emozione.
Mio marito, che ha dovuto aspettare me e nostro figlio Andrea in coda al bagno, è uscito invece urlando “Marcello, come here”, perchè ha visto la scena della Dolce Vita in loop circa cento volte in quel lasso di tempo.

E a proposito di Andrea (che ha 4 anni): gli è piaciuto l’effetto-cinema e potersi sedere sulle poltroncine, ma nel complesso è poco adatta ai bimbi. Una saletta sopraelevata è stata adibita a sala bimbi, con qualche tappeto interattivo dell’Ikea, un paio di macchinine minimal, un paio di tavolini con fogli e pennarelli. Anche in questo caso l’impressione era di poca cura, soprattutto non c’era nessun riferimento alla mostra nel materiale a disposizione.
Ho letto in qualche commento sulla pagina ufficiale Facebook che la mostra è da interpretarsi come un trailer, in questo caso del Museo Fellini, che è ancora in allestimento e aprirà entro l’anno. Vista così forse può avere un senso, tanti “assaggi” di Fellini e del suo mondo senza approfondirne in particolare nessuno…ma non è il genere di mostra che preferisco.

Fatemi sapere la vostra impressione se andate a visitarla!

Gli orari: da martedì a domenica dale 10.00 alle 23.00 fino al 15 marzo
Biglietto intero: 10,00 €
Biglietto ridotto: 8,00 €
Gratuito: bimbi fino a 6 anni

Sito ufficiale: Fellini100

I curatori della mostra non hanno creato un percorso autoreferenziale in cui il palazzo fosse solo una splendida cornice, ma hanno cercato di collegare ad ogni stanza e alla sua funzione originaria stilisti e abiti. La prima sala accoglie con un elegantissimo Mariano Fortuny plissettato a mano (!) a cui fanno eco modelli di Issey Miyake, a sottolineare l’eterno ritorno della classicità e i corsi e ricorsi storici, anche nella storia della moda. Nell’appartamento barocchetto un viaggio interiore ed esteriore dello stilista Romeo Gigli, tra abiti ispirati a culture lontane (India, Afghanistan) che si “abbinano” agli abiti indossati dai protagonisti dei ritratti di famiglia o ai colori delle sontuose tappezzerie.

L’appartamento in stile impero colpisce per contrasto: all’opulenza barocchetta si sostituisce la linearità dello stile neoclassico e l’abito-scultura di Capucci corredato di borsetta perfettamente quadrata é una poesia di stoffa.

Si prosegue con la sala della musica, poi il corridoio che si affaccia alla corte giardino e la stanza ” dei comodi”, antenata del nostro bagno/guardaroba, dove i curatori della mostra (che sono lo stesso Attilio Mazzini e la sua collaboratrice Carla Marangoni, non l’avevo ancora detto) hanno posizionato capi di Jean Paul Gaultier e Dolce &Gabbana, corsetti portati dall’underwear all’esibizione sfacciata e sensuale, sdoganandoli dalla loro condizione di “intimo” come elemento del guardaroba quotidiano.

C’è una stanza (la biblioteca) dedicata anche alla mia stilista preferita: Vivienne Westwood, sempre attenta alla storia del costume e della società (quasi una sociologa della moda, degna appunto di essere studiata sui libri). Le stanze sono in tutto 11, ma la mostra prosegue in piazza Garibaldi con un’installazione e un video molto interessante in cui Attilio Mazzini e Carla Marangoni parlano del loro lavoro di archiviazione e delle motivazioni (prevalentemente estetiche) che li hanno portati a collezionare abiti dagli anni ’70 ad oggi.

Voto abiti in mostra: 10
Voto allestimento: 10, gli abiti sono molto valorizzati, ma anche calati nel contesto
Voto location: 10, il palazzo è ricco di curiosità e cimeli
Vale la pena programmare una gita a Imola per questa mostra? Sì!
Qui trovate il link con le info pratiche, fate presto però: termina il 28 febbraio!

http://www.mostrefondazioneimola.it/

   
Probabilmente il pittore aveva uno sguardo naturalmente estetizzante, come lo dimostrano anche i suoi autoritratti, in cui si disegna affascinante e dallo sguardo volitivo, mentre le sue caricature e i ritatti altrui lo raffigurano come un tappetto col doppio mento.
I suoi dipinti mettono allegria, restituiscono l’atmosfera di un mondo brillante e gioioso, non è difficile immaginarlo accompagnato nelle vie di Parigi da Degas, al Moulin Rouge e in altre mille sfavillanti occasioni mondane. Un mondo che decise di non abbandonare più, facendo di Parigi la sua nuova casa.

Ecco il sito della mostra (da cui sono tratte le immagini) per le info e i dettagli:

http://www.mostrefondazioneforli.it/it/boldini_lo_spettacolo_della_modernita/

Un percorso lungo quanto la storia del cinema, dalle dive del muto fino a La grande
bellezza, vincitore dell’oscar lo scorso anno grazie anche al personaggio di Jep
Gambardella, interpretato da Tony Servillo, e dal suo look da dandy.
Possiamo incontrare una vecchia conoscenza, Lyda Borelli (ricordate quando siamo andate a vistare la casa di riposo bolognese a lei intitolata? avevamo trvato questo corpetto da lei indossato alla prima de “la figlia di Iorio” di Gabriele D’Annunzio) e i costumi di Rapsodia Satanica, di cui era protagonista e autrice e che la consacrarono musa dello stile Belle Epoque.

Attori e personaggi sarebbero stati altrettanto iconografici senza i loro costumi? basti pensare al Marchese del Grillo, superbamente interpretato da Alberto Sordi e “vestito” da Gianna Gissi, il Casanova felliniano “vestito” dal premio Oscar Danilo Donati o la Marie Antoinette di Sofia Coppola resa indimenticabile soprattutto dai fastosi costumi di Milena Canonero, anche lei premio Oscar.

Hanno ottenuto l’ambita statuetta anche Piero Tosi (alla carriera, nel 2013, maestro e caposcuola, lavorò molto con Luchino Visconti) e Gabriella Pescucci (nel 1994 per “L’Età dell’Innocenza” e un’intera sezione della mostra è dedicata proprio a questo film).
Una sala è dedicata anche alla storica sartoria Tirelli, che proprio quest’anno festeggia il cinquantesimo anniversario di attività.
La foto della locandina ritrae una giovane Sandra Milo in “Giulietta degli Spiriti”, di
Federico Fellini, costumi di Pietro Gherardi.

La mostra inaugurerà il 17 gennaio e sarà visitabile fino al 22 marzo. Le foto (tranne quella con Violetta!) sono tratte dal sito ufficiale:

http://www.museodiroma.it/mostre_ed_eventi/mostre/i_vestiti_dei_sogni

A sottolineare la complicità tra arte e moda che ha profondamente segnato quegli anni, gli abiti di Emilio Schuberth e delle Sorelle Fontana, di Germana Marucelli e Mila Schön, di Sarli e Simonetta, di Capucci e Gattinoni, di Fendi, Balestra, Biki, Galitzine, Pucci e Valentino dialogano con opere di Lucio Fontana, Alberto Burri e vari artisti contemporanei fino ad arrivare all’installazione di Vanessa Beecroft.
Una sezione speciale è dedicata ai gioielli Bulgari, che sono anche main sponsor della mostra.
Ecco il link al sito ufficiale:  http://www.fondazionemaxxi.it/2014/07/01/bellissima/

Foto: Fondazione MAXXI, sito ufficiale

La marchesa divenne così “scandalosa” e lei non fece nulla per sopire le dicerie, anzi diventò particolarmente eccentrica, a partire dall’abbigliamento e dal vistoso trucco. Voleva diventare essa stessa un’opera d’arte, una figura ammaliante e sopra le righe. Famosissime le sue apparizioni con animali esotici come boa (una volta al Ritz di Parigi un boa constrictor scappò subito dopo il check-in) e scimmie; nel 1910 acquistò a Venezia l’abbandonato palazzo Venier dei Leoni, (oggi sede della fondazione Peggy Guggenheim) e nei suoi ampi giardini accolse corvi albini, pavoni e ghepardi. Lì si tenevano anche feste ed appuntamenti mondani.

La sua passione per l’arte la portarono a cercare artisti conosciuti ma anche a scoprire giovani talenti che la rappresentassero in quadri ad olio, schizzi, sculture e fotografie.
Di lei rimangono ritratti e sculture di Giovanni Boldini, Augustus John, Kees Van Dongen, Romaine Brooks, Ignacio Zuloaga, Drian, Alberto Martini, Alastair, Giacomo Balla, Catherine Barjansky, Jacob Epstein e foto di Man Ray, Cecil Beaton e del barone Adolph de Meyer.

Fu anche “musa” dei futuristi, Filippo Tommaso Marinetti, Fortunato Depero e Umberto Boccioni, e contribuì con loro ad uno spettacolo di marionette su musiche di Maurice Ravel.

Considerata la versione femminile del dandy, fu vestita da Léon Bakst, Paul Poiret, Mariano Fortuny e Erté. Indossava gioielli di Lalique e fu l’ispirazione per la famosa pantera disegnata per Cartier.

Nel 1923 decise di acquistare una casa a Parigi. Nel 1930 aveva accumulato, a causa del suo stile di vita, un debito di 25 milioni di dollari; impossibilitata a soddisfare tutti i creditori fu costretta a vendere il Palais e tutti i suoi contenuti furono messi all’asta.

La sua leggendaria figura rimane immortale nelle immagini degli artisti di cui fu mecenate e musa. Molte di queste immagini e alcuni suoi oggetti e abiti sono in mostra a Venezia.

Trenta abiti, molti dei quali esposti per la prima volta, che mostrano quanto i canoni
dell’alta moda abbiano influito sulle esigenze sartoriali durante il periodo di lutto.
Perché vestirsi a lutto, non doveva necessariamente equivalere a vestirsi in maniera
sciatta o fuori moda. Infatti molti disegni e cartamodelli mostrano con evidenza che le uniche sostanziali differenze tra gli abiti “alla moda” e gli abiti adibiti al lutto sono il colore (nero, ovviamente, in caso di lutto stretto, ma con varie sfumature di grigio,
marrone, malva all’allontanarsi o del grado di parentela con l’estinto o della data della dipartita) e il materiale: al posto del raso o della seta lucenti, Il cosiddetto ‘crespo’ da lutto utilizzato era una seta tipo ‘cartonata’ che spogliava il materiale della sua lucentezza e lo rendeva piu’ opaco e più modesto, consono alla particolare situazione.

Tra i pezzi esposti, anche gli abiti a lutto indossati dalla Regina Vittoria e dalla Regina Alessandra di Danimarca (sua nuora). Vittoria soffrì moltissimo per la morte dell’adorato principe consorte Alberto e decise di vestire sempre a lutto (lo fece per ben quarant’anni). Questa scelta personale, trattandosi però di una regina, non poteva non influenzare l’opinione pubblica e la moda. Ad alcune però portare il lutto pesava moltissimo…vi ricordate la scena di Via col Vento in cui un’annoiata Rossella O’Hara  scalpita per ballare e indossare cappellini nonostante il lutto per il primo marito?

Ecco il link al sito ufficiale della mostra, da cui è tratta l’immagine di copertina:

http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2014/death-becomes-her