Ho studiato a Bologna, ma l’ho vissuta poco, perché lavoravo e andavo all’università solo quando necessario, da pendolare. Ho lavorato e lavoro tutt’ora nell’accoglienza turistica in Emilia Romagna, ma questo museo, mea culpa, me lo ero proprio perso.

Poi un giorno, potere di internet, in base ai miei interessi, Facebook mi ha proposto questa mostra: “Le plaisir du vivre. Arte e moda del Settecento veneziano dalla Fondazione Musei Civici di Venezia”.

E così un mattino in odor di lockdown, senza pensarci troppo, ho preso un treno per la sempre bella Bologna. Il Museo si trova in Strada Maggiore e varcando il portone si entra letteralmente in un’altra epoca.

Il fondatore del museo, Francesco Malaguzzi Valeri, decise di riallestire la quadreria e la collezione d’arti applicate in un percorso che riproducesse un appartamento arredato del Settecento bolognese. Era il 1920 e la mostra di cui vi parlerò è stata voluta proprio per celebrare il centenario del museo.

Nella prima sala ci sono numerosi ferri battuti, bronzi ornamentali, strumenti da fabbro, che fanno parte della collezione degli oggetti “industriali”. Qui si trovano anche i primi due abiti, uno rosa da uomo e uno da a righe da donna.

Gli abiti e gli oggetti della mostra (cappelliere, scarpine da ballo, ventagli ricamati), provengono dalla Fondazione Musei Civici di Venezia e sono esposti secondo la stessa filosofia dell’esposizione permanente, ovvero l’idea di rievocare il «fastoso Settecento», con il suo corredo di ricchi mobili, ori, oggetti legati alle abitudini di vita di cavalieri e dame affaccendati nei rituali della mondanità.

All’interno del museo ci sono collezioni di porcellane, mobili rococò, consoles, cornici, un’incredibile “palazzina delle bambole” e una meravigliosa carrozza, tutto settecentesco e gli abiti dialogano in maniera perfetta con l’ambientazione.

Nella sala della carrozza, ad esempio, c’è un manichino in livrea; nella quadreria un abito da giorno (sopravveste) dai dettagli preziosi. L’opulenza del Settecento veneziano deriva anche dal tentativo di mantenere il primato di eleganza e di produzione di stoffe pregiate conteso con la Francia. Lo stile veneziano però non era più all’avanguardia e le dame dell’alta borghesia e nobiltà sfidavano le leggi suntuarie e l’amor patrio per avere, anche di contrabbando, le stoffe di Lione.

La mostra è ovviamente in pausa, ma è programmata fino al 21 settembre.

Qui trovate le info e gli orari di apertura:

http://www.museibologna.it/arteantica/eventi/51895/date/2021-02-25/id/103553

Segnalo inoltre che sulla pagina Facebook dei Musei Civici potete trovare degli interessanti video di approfondimento, molto divertente quello sulla vestizione delle dame!

L’imponente ritratto dell’attrice Lina Cavalieri, “la donna più bella del mondo”, secondo le cronache del tempo, mette in luce la sua bellezza classica e senza tempo. Corcos valorizza la silhouette “a S” sottolineata dall’abito aderente in vita e con le spalline mollemente abbassate. Il ricamo dell’abito, dettagliato nella parte superiore, sfuma in pennellate fugaci nello strascico, contribuendo a creare un atmosfera rarefatta e sognante, come se l’attrice fosse una creatura da fiaba.

Il ritratto, sempre di grandi dimensioni, della nobildonna Elisa Corazzini appare invece molto più aderente alla realtà e con una resa quasi fotografica dell’abito e soprattutto del prezioso ricamo della scollatura e delle spalline.

Volete sentirvi anche voi una dama della Belle Epoque? Sedetevi sulla panchina dove è stato ricreato il set del celebre ritratto “Sogni” e cercate di riprodurre l’espressione indecifrabile della ragazza. Non dimenticate guanti e maniche a sbuffo!

Trovate qui le info sulla mostra: https://www.palazzopallavicini.com/

Su “La Donna”, periodico Mondadori del 1924 (una delle chicche che ogni tanto trovavo sui mercatini dell’antiquariato) il dott. Costanzo Einaudi, in un articolo dal titolo “La donna e l’igiene”, consigliava caldamente alle giovani donne di praticare sport, ribadendo inoltre che “La negligenza dell’uomo verso la giovinetta, nei paesi a civiltà intensa come la nostra, è causa del deperimento della razza.”

Riteneva in particolare adatti alle donne la ginnastica svedese, la marcia, la danza, il golf e il tennis.

Parliamo quindi di una delle prime dive dello sport: Suzanne Lenglen: un’icona della libertà della donna, con le caviglie scoperte, il cognac sorseggiato ai cambi campo e il divieto categorico agli organizzatori di programmare i suoi match prima di mezzogiorno, perché fino a quell’ora dormiva.

Nata nel 1899 in Francia, da bambina aveva studiato ginnastica e danza classica, e alcune sue movenze sul campo ricordavano proprio quelle della danza. Abituata fin da piccola ad una disciplina ferrea (il padre, a 11 anni, la faceva allenare con i ragazzi, perché non c’erano ragazze abbastanza forti con cui confrontarsi e superare i propri limiti), vinse il suo primo torneo a 15 anni e durante tutta la sua carriera, dal 1914 al 1926 non fu mai battuta. Fu la prima donna a utilizzare il servizio dall’alto, con gesti atletici e potenti, ma soprattutto si impose con la sua personalità e i suoi look.

Scendeva in campo con elegantissime creazioni del sarto Patou ed avvolgeva il capo con turbanti di seta. In certe occasioni indossò perfino una stola di pelliccia.

In un’intervista nel 1924, Patou disse: «I miei modelli sono studiati per l’attività sportiva. Li ho soltanto resi gradevoli da guardare come da indossare, e pratici per lasciare libertà di movimento».

Nel 1919, a Wimbledon, fu protagonista del primo “fashion scandal” nella storia del tennis, presentandosi con una mise non convenzionale per il torneo londinese: una blusa a maniche corte, una gonna a pieghe che le arrivava al polpaccio, calze di seta appena sopra le sue ginocchia e un cappello a coprire i capelli (corti). La stampa del tempo definì «indecente» l’abbigliamento della tennista francese, dato che quello tradizionale si componeva in maniera diversa: gonne alla caviglia e camicette a collo alto e a maniche lunghe».  Il modo di vestire di Suzanne però cambiò completamente il modo di vedere e percepire il tennis, diede vita a nuove mode e persino a dei neologismi: il suo cappello di lino divenne il “Lenglen bandeau”, le sue scarpe basse con suola di gomma divennero “scarpe Lenglen”.

Ben presto quindi i cardigan leggeri, le gonne a pieghe, le scarpe basse lasciarono i campi da tennis e diventarono di moda anche tra le spettatrici e tra le giovani donne in generale.

Si possono trovare altre informazioni e immagini su Google Arts&Culture:

https://artsandculture.google.com/exhibit/suzanne-lenglen/dwJyvZUQ3dqBLA

Ecco una delle mie, tra un Google Art&Culture e l’altro…una vera e propria mostra virtuale sul sito del Museum of the city of New York

WORTH&MAINBOCHER: Demystifying the Haute Couture

Charles Frederich Worth fu il primo creatore di haute couture, nel senso moderno del termine. Nato in Inghilterra nel 1825, iniziò come commesso in un grande magazzino di tessuti e poco più che ventenne partì per Parigi, dove iniziò il suo lavoro di sarto. Contemporaneamente incontrò Marie Vernet, modella con un grande fiuto per gli affari. In pochi anni riuscì ad aprire un atelier tutto suo.
Il suo debutto nella società avvenne in seguito all’acquisto da parte della principessa di Metternich, nipote del grande statista del Congresso di Vienna, di due suoi abiti che le furono offerti a prezzi stracciati proprio da Marie Vernet. In occasione di un ballo, la principessa ne sfoggiò uno e suscitò l’ammirazione dell’imperatrice Eugénie, consorte di Napoleone III che non tardò a divenire anch’essa affezionata cliente della maison Worth. Fu così nominato suo fornitore ufficiale e divenne sarto di corte nel 1864.

Fu uno dei primi a prevedere il successo della crinolina e ne determinò le evoluzioni aumentandone e riducendone l’ampiezza: negli ultimi decenni dell’Ottocento decise di abbandonare la silhouette romantica contraddistinta dalla sottogonna e si impose un nuovo tipo di linea verticalizzante, dove la figura femminile era modulata secondo “serpentine sinuosità” accentuate artificialmente sul dietro, grazie all’uso di una sorta di cuscini, e messe in risalto da vitini da vespa. La sua prima modella d’eccezione per la nuova linea fu l’imperatrice Elisabetta d’Austria, l’indimenticabile Sissi.

Main Rousseau Bocher, nato a Chicago nel 1929, fu il couturier delle dive, oltre che delle dame dell’alta società. Vestì Mary Pickford, Constance Bennett, Claudette Colbert, Irene Dunne, Loretta Young; la sua cliente più fidata fu però Wallis Simpson, a cui dedicò anche un colore, il “Blu Wallis“. Disegnò per lei anche l’abito di nozze con Edoardo VIII, il duca di Windsor (che aveva abdicato al trono per poter coronare il suo sogno d’amore), descritto dai cronisti come “il vestito più fotografato e più copiato di tutti i tempi”. Fu l’inventore dell’abito senza spalline e anticipò di circa otto anni le linee di Dior e il ritorno del “vitino da vespa” sottolineato da gonne ampie.

Sul sito del Museum of the city of New York si trovano tutte le immagini di una mostra virtuale dedicata ai due maestri: 57 modelli di Worth e 62 di Mainbocher, che percorrono un periodo lungo un secolo.

Buona visita!
▶  https://collections.mcny.org/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MNYO28_4

Non è incentrata sulla vita di Fellini, pur essendoci una mappa con le date più importanti e pur essendoci una sezione dedicata ai suoi disegni (pochi in versione originale, alcuni digitalizzati su un maxi libro touch screen dove le pagine si sfogliano virtualmente).

Non è incentrata sul rapporto di Fellini con la città, anche se c’è una sala dedicata ad Amarcord con foto del set e della Rimini degli anni Settanta.

Non è incentrata sulle sue opere, pur essendo tutte citate o proiettate in qualche frammento.

Non è incentrata sui suoi indimenticabili personaggi, anche se c’è una sala in cui attraverso proiezioni dialogano virtualmente tra loro.

Non ci sono molti cimeli, io ho notato solo una teca con alcuni copioni e una sala con alcuni costumi del maestro Danilo Donati (dei film Casanova del 1976 e Roma del 1972) non molto illuminati e non molto valorizzati.

La didascalia per capire di che costumi si tratti è in un angolo della stanza, non immediatamente visibile. Scarsissimi anche i riferimenti alla moglie e compagna di set Giulietta Masina, solo un accenno nell’ultima sala.
Insomma, nel complesso esteticamente piacevole, ma uscendo avevo la spiacevole sensazione che la mostra non mi avesse lasciato niente.                    Nessuna conoscenza ulteriore rispetto a quanto non sapessi già su Fellini (e non mi reputo un’esperta), nessuna grande emozione.
Mio marito, che ha dovuto aspettare me e nostro figlio Andrea in coda al bagno, è uscito invece urlando “Marcello, come here”, perchè ha visto la scena della Dolce Vita in loop circa cento volte in quel lasso di tempo.

E a proposito di Andrea (che ha 4 anni): gli è piaciuto l’effetto-cinema e potersi sedere sulle poltroncine, ma nel complesso è poco adatta ai bimbi. Una saletta sopraelevata è stata adibita a sala bimbi, con qualche tappeto interattivo dell’Ikea, un paio di macchinine minimal, un paio di tavolini con fogli e pennarelli. Anche in questo caso l’impressione era di poca cura, soprattutto non c’era nessun riferimento alla mostra nel materiale a disposizione.
Ho letto in qualche commento sulla pagina ufficiale Facebook che la mostra è da interpretarsi come un trailer, in questo caso del Museo Fellini, che è ancora in allestimento e aprirà entro l’anno. Vista così forse può avere un senso, tanti “assaggi” di Fellini e del suo mondo senza approfondirne in particolare nessuno…ma non è il genere di mostra che preferisco.

Fatemi sapere la vostra impressione se andate a visitarla!

Gli orari: da martedì a domenica dale 10.00 alle 23.00 fino al 15 marzo
Biglietto intero: 10,00 €
Biglietto ridotto: 8,00 €
Gratuito: bimbi fino a 6 anni

Sito ufficiale: Fellini100

Fino a pochi anni fa erano chiamati VIP e solitamente erano personaggi del cinema, della televisione o della musica che diventavano anche fashion influencer. Un esempio: se non siete giovanissime ricorderete nei primi anni 2000 il revival della moda country (jeans, stivali texani e cappelli da cowboy) partito da Madonna e dal video della sua canzone “Don’t tell me”.

Eppure…le influencer non sono un fenomeno mass mediatico, ma in tempi in cui le notizie circolavano su linee telegrafiche e cavalli, c’era comunque chi riusciva ad avere fama planetaria.

Alzi la mano chi non ha mai sentito nominare la Principessa Sissi!

Elisabetta di Baviera (che, tra l’altro, non era nemmeno soprannominata “Sissi”, ma “Lisi” o “Sisi” (il dubbio nasce perché molti interpretavano come un “s” l’iniziale in corsivo molto svolazzante con cui Elisabetta si firmava “Lisi” nella corrispondenza confidenziale), nata nel 1837, imperatrice dal 1854, sposa di Francesco Giuseppe I d’Austria, fu universalmente ammirata per la sua bellezza: i suoi ritratti e le sue fotografie facevano il giro del mondo, influenzando i gusti e la moda.

L’imperatrice aveva lunghissimi capelli castani, che arrivavano sino alle caviglie. Il rituale per la loro cura era un lavoro a tempo pieno, e infatti venne assunta (e super pagata) una parrucchiera professionista, Fanny Angerer, per assisterla quotidianamente. Ogni giorno Fanny veniva chiamata ad intrecciare e combinare le chiome dell’imperatrice in elaborati acconciature che sarebbero diventate il fulcro dei discorsi di tutta Europa. Tutte le nobildonne dell’epoca si cimentarono nella famosa acconciatura a “corona”, con grandi trecce raccolte sopra la nuca. Il lavaggio dei capelli, una volta a settimana, richiedeva diverse ore di tempo e durante l’asciugatura l’imperatrice si aggirava in vestaglia impermeabile cercando di far fronte all’emicrania provocata dal peso delle chiome (stimato in 5-6 kg)

Ma se questa moda era piuttosto semplice da imitare, con l’ausilio di un buon parrucchiere e magari qualche toupet di rinforzo, ben altro discorso era la beauty routine che consentiva a Sisi di mantenere la magrezza di cui non solo andava fiera, ma che era diventata la sua ossessione.

Sisi era alta 172 cm e pesava tra i 48 e i 50 kg. Per mantenere questo peso si sottoponeva a massacranti sessioni di pesi, ginnastica (si fece costruire una palestra privata con anelli, pesi, spalliera svedese, sbarra in tutti i palazzi in cui soggiornò) alternate a lunghe camminate quotidiane, di circa 7/8 ore, esercizio della scherma ed equitazione.

La sua biografa più famosa, Brigitte Hamann, scrive: “Nel diciannovesimo secolo, in cui donne trentenni erano già viste come placide matrone, specialmente quando avevano avuto molti figli, l’imperatrice Elisabetta fu un fenomeno straordinario. La dieta spietata e l’esercizio fisico aiutarono Sissi a infilarsi in uno degli oggetti più alla moda dell’abbigliamento del XIX secolo: il corsetto, che le ridusse una vita già minuscola alla misura di 49 centimetri circa”.

Ovviamente era anche perennemente a dieta: alternava periodi in cui si nutriva di soli liquidi (latte, infusi alla violetta e discutibili spremute di carne) ad altri in cui mangiava un uovo o esclusivamente frutta.

Possiamo dire che fosse un modello inarrivabile, il corrispettivo delle top model nel nostro mondo contemporaneo. Il mito della principessa è stato anche consolidato dalla serie di film degli anni ’50 con protagonista la stupenda attrice Romy Schneider. Il film aveva però molto romanzato la sua storia d’amore con “Franz” e presentava l’imperatrice come un personaggio ingenuo, solare e positivo, molto distante dalla realtà. Nel primo film in particolare, quello forse più amato dal pubblico, viene descritta la giovinezza bucolica in Baviera, quando Sissi non era ancora sposata (e quindi imperatrice) ma solo “principessa”; nell’immaginario collettivo è rimasta questa dicitura, che riporta a personaggi fiabeschi e immagini mitizzate.

La vera imperatrice era sempre inquieta, insofferente alla vita di corte e non perdeva occasione per organizzare viaggi da un capo all’altro dell’impero per allontanarsi dalla claustrofobica atmosfera di palazzo. Possiamo quindi affermare senza paura di allontanarci troppo dalla realtà che fu anche una travel influencer, perchè le mete da lei scelte diventavano ambite da quelli che furono i primi turisti: il turismo non era ancora diventato un fenomeno di massa, ma era riservato alle elites ed era spesso giustificato da motivi curativi e salutisti.

Non è un caso che a Merano, all’interno di Castel Trauttmansdorff, sia nato il “Turiseum”, ovvero il primo museo sulla storia del turismo d’Europa (consigliatissimo, anche per i bimbi!). Ma oltre all’interattivo allestimento del Turiseum, si possono ancora visitare le stanze storiche, gli appartamenti in cui alloggiò l’imperatrice (la cui statua si affaccia ad un balconcino che sormonta l’ingresso dell’edificio).

Sissi trascorse quattro soggiorni a Merano, ufficialmente per curare la piccola figlia Marie Valerie, di salute molto cagionevole. Le stanze del castello furono appositamente rinnovate e sontuosamente arredate per l’imperatrice, fu addirittura installato un nuovo ufficio del telegrafo collegato direttamente con Vienna appositamente per lei.

Durante i mesi della sua permanenza a Trauttmansdorff, l’Imperatrice condusse una vita molto ritirata, dedicandosi a lunghe passeggiate in città e camminate in montagna. Attualmente esiste una lunga passeggiata a lei dedicata che si snoda dal centro cittadino e conduce al castello e ai famosi giardini, 12 ettari di piante e fiori che in ogni stagione regalano colori e profumi meravigliosi.

Fu grazie al soggiorno dell’Imperatrice Sissi a Trauttmansdorff e alla rapida guarigione della cagionevole figlia Marie Valerie che la cittadina di Merano assurse, come luogo di cura, a fama mondiale e la presenza di Sissi è ben ricordata da statue e percorsi a lei dedicati in tutta la città.

Il mito di Sissi è ancora ben saldo e la sua figura ispira e attrae come un secolo e mezzo fa: di recente anche Alberto Angela con il suo programma di divulgazione “Ulisse, il piacere della scoperta” ha dedicato una puntata all’imperatrice d’Austria e una mostra all’interno della Reggia di Monza ha portato in Italia alcuni dei suoi abiti originali e alcune pregevoli e fedelissime riproduzioni.

Peccato sia durata pochissimo (solo ottobre 2018) e me la sia persa! Se voi ci siete stati, mandatemi le vostre foto e impressioni!

Frida é passata dallo status di non troppo felice pittrice in vita, ormai defunta, a status symbol, avviandosi a prendere il posto sulle nostre T-shirt occupato negli anni ’90 dal ritratto pensieroso di Che Guevara. Già all’epoca mi interrogavo sul fatto che, se il Che non fosse stato di bella presenza, avrebbe avuto lo stesso uno spazio su quelle T-shirt? Le avrebbe comprate qualcuno? Prendiamo l’Italia… Uno dei presidenti della Repubblica piú amati, rimpianti e citati è Sandro Pertini, ma, onestamente, avete mai visto una maglietta con la sua faccia? E se ci fosse…la comprereste?

Tornando a Frida…con il progressivo apprezzamento degli storici dell’arte dell’opera di Frida, che da pittrice messicana moglie di un ben più famoso pittore messicano acquisì sempre più autonomia per chi apprezzava l’originalità dei suoi lavori, si approfondirono gli aspetti biografici, sempre fondamentali per capire la formazione e il background culturale e personale di ogni artista. Ecco che quindi molti gruppi sociali si impossessarono di brandelli della sua storia per farne vessillo della propria: si vociferava che avesse avuto storie d’amore con amiche artiste? Icona gay. Era consapevole di non essere bella, ma questo non le impedì di “essere un tipo”, adottando uno stile personale negli abiti e accessori? Icona fashion. Era moglie di Diego Rivera, ma questo non le impedì di avere una propria carriera indipendente? Icona femminista. Aveva avuto un incidente gravissimo che le spezzò (letteralmente) la schiena ma continuò a vivere la sua vita superando le difficoltà? Paladina di tutti quelli che sono costretti a convivere con un handicap fisico. Amica di Trockij, rivoluzionario russo in esilio? Eroina di chi si ribella al sistema. Messicana? Orgoglio dei latinos. Si vestiva con tessuti e colori della tradizione precolombiana? Beh quali minoranze sono state più vessate di quei popoli sterminati dai Conquistadores? Sono quindi molte le categorie di persone, e molto trasversali, che possono riconoscere una parte di sé nella figura di Frida.
Il film biografico del 2002 Con Salma Hayek ha contribuito ulteriormente alla conoscenza di questo personaggio al grande pubblico e ora, come scrisse il New York Times già nel 2015, si può parlare di vera e propria “Frida Mania”. Le mostre con i suoi quadri si moltiplicano in tutto il mondo, da New York a Londra all’Italia dove, dopo le tre mostre del 2017 (“Frida Kahlo e l’arte messicana” a Bologna, “Frida Kahlo e Diego Rivera” a Genova e la retrospettiva alle Scuderie del Quirinale a Roma) ha da poche settimane inaugurato la retrospettiva a lei dedicata al Mudec di Milano. La recente, straordinaria, scoperta del guardaroba di Frida, rimasto intatto come in una capsula del tempo in una stanza chiusa della Casa Azul, dove abitava con Rivera, ha sospinto ulteriormente la curiosità e la Fridamania. Frida si presta molto anche a facili travestimenti casalinghi per essere più intellettuali dei nerd che si vestono da supereroi Marvel, quindi ecco la mia personale versione. Hasta la victoria, Frida!

Queste bambole sono davvero ospitate, nel senso che vivono in ambienti in miniatura creati apposta per loro. Mini aule scolastiche, mini sale da thè, mini salotti e mini cucine…
Pur essendo molto piccolo, solo tre stanze, è suddiviso in sette sezioni:la prima è dedicata alle Bambole Antiche (1850 -1950). Erano costruite per lo più in porcellana, ma ci sono anche alcuni esemplari di celluloide; la seconda sezione è quella dei Giocattoli di Latta e Legno. Qui c’è stato un piccolo dramma, poichè il mio piccolo accompagnatore, mio figlio Andrea, anni due, ha cercato di salire su una rarissima e preziosissima automobilina francese a pedali del 1908 (riporto la foto del catalogo perchè purtroppo era proibito fare foto…la scena avrebbe dovuto essere immortalata però. Soprattutto le facce della curatrice e della proprietaria della collezione. Ma è successo tutto nei pochi secondi in cui stavo pagando il biglietto, giuro!).

La terza sezione, ricchissima di dettagli minuziosi è quella dei Mobili e Corredini delle Bambole. Miniature di stanze, di guardaroba, di minuscoli negozi staripanti di oggettini, armadi, cucine con pentolini e piccolissime cibarie, tutti riprodotti con deliziosa e certosina precisione. La quarta sezione è invece dedicata alle Bambole dal Mondo:una raccolta di pezzi provenienti da tutte le parti del mondo, relativamente recenti, ma tutte costruite artigianalmente con materiali vari: cartapesta, paglia, lana, legno, stoffa. La quinta sezione è un tuffo nel Mondo della Scuola (della prima metà del Novecento): matite, penne, pennini, inchiostri, carte assorbenti e vecchi testi scolastici sono esposti a testimonianza di un passato ormai remoto per chi a scuola usa i tablet al posto dei quaderni…la sesta sezione, una piccola teca, è intitolata “Abbigliamento dell’Infanzia”. Sono esposti alcuni indumenti tipici dei battesimi: cuffiette con pizzi e nastri, fasce per neonati, camicini. Alla mia domanda su lla provenienza di questi completi mi è stato risposto con un’alzata di spalle: “Eh chi lo sa” (diciamo che l’analisi delle fonti non è il punto forte del museo…) “tranne questo che era della Signora”. La Signora in questione era ovviamente la proprietaria della collezione originaria (alla quale si sono aggiunte negli anni, a partire dal 2006 anno di inaugurazione del museo, donazioni di privati), che vigilava con occhio attento sotto le sue le enormi lenti fumè anni ’70 che le grinfie del mio marmocchio duenne non si posassero malvagie sulle preziosità esposte. L’ultima sezione è una Biblioteca dell’Infanzia. Conserva 400 libri di letteratura per l’infanzia italiani e stranieri e annate di giornali per bambini. Sono riuscita a rubare una foto dell’ingresso, che rende l’idea dell’abbondanza di materiale anche se gli ambienti non sono grandi e ho fatto una foto di queste bambole che in maniera un po’inquietante guardavano fuori dalle grate della loro rosea e merlettata prigione.

In effetti le bambole di alcuni periodi, specialmente quelle in panno Lenci, avevano dei volti con espressioni a volte corrucciate e, per i nostri occhi, perturbanti. Ma il “pezzo che non ti aspetti” era una “Raggedy Ann, una bambola di pezza col naso a triangolino, made in U.S.A. Una particolare Raggedy Ann, di proprietà della famiglia Warren, del Connecticut, chiamata Annabelle, divenne famosa per essere stata protagonista negli anni ’70 di strani episodi, spostamenti levitazioni, comparse di sangue e possessioni. Questa storia ha ispirato la trilogia di film “The Conjuring -L’Evocazione”, “Annabelle” e “Annabelle Creation”. In questi film la bambola è molto diversa e molto più inquietante dell’originale, più simile ad una marionetta sogghignante.
Questa ignara Raggedy Ann ravennate mi ha colpito perchè io e Andrea siamo veterani di bambole inquietanti, eccoci nella nostra interpretazione halloweeniana proprio di Annabelle e Chucky, le più famose bambole assassine!

Minnie è stata sempre molto amata dai bambini, ma anche dal mondo della moda. Il suo abito anni ’50 con gonna a palloncino e fantasia a pois bianchi su fondo rosso è stato fonte di ispirazione per molti stilisti che hanno voluto omaggiare questa spiritosa icona di stile, paladina della femminilità (indossa sempre i tacchi!) nel mondo dei cartoon.
Nel corso degli anni Minnie ha avuto molti abiti, come del resto Topolino, più consoni al tipo di avventure che dovevano di volta in volta affrontare. Negli anni ’90 Minnie è diventata protagonista assoluta di una rivista a fumetti mensile, dove dispensava anche consigli di stile, bellezza e salute. Ma chissà perchè la immaginiamo sempre con il primo, iconico, vestito a pois…forse perchè, come ha detto la cantante Katy Perry alla cerimonia di consegna della stella, “il suo stile è simbolo della moda divertente. Ad oggi, nessun altro sa indossare come lei un fiocco, il colore rosso o i pois. Saper portare gioia a così tante persone è una qualità speciale, e Minnie riesce a farlo senza alcuno sforzo, semplicemente sbattendo le sue lunghe ciglia”.
Sta di fatto che molti hanno provato ad imitarla: in questo mini collage: Marc by Marc Jacobs (2010), Garlan Jeans (2013), Moschino (2005), Jeremy Scott (2009)

Ha da poco spento 80 candeline anche Biancaneve, la prima delle pricipesse Disney. L’aneddoto che mi ha sempre più colpito sulla realizzazione di questo film è quello relativo alle mitiche “guanciotte” rosee (o per dirla fashion, effetto “bonne mine”), ricreato apponendo vero blush su ogni singolo fotogramma (!!!!)Le guanciotte sono un tributo alla diva più amata dai bambini dell’epoca: Shirley Temple, mentre per i lineamenti l’ispirazione fu il viso di Ginger Rogers. A dire la verità, la primissima versione somigliava molto (un po’ troppo, per i gusti del boss Walt Disney) a Betty Boop, la sexy eroina dei fumetti. Walt Disney impose un cambiamento verso una bellezza più classica e meno maliziosa, più consona al pubblico di famiglie al quale era diretto il film. La matrigna di Biancaneve, la perfida regina, pare invece fosse plasmata sui tratti spigolosi di Joan Crawford, anche se io ho sempre pensato che fosse uguale identica a Greta Garbo…

Anche Biancaneve è diventata un’icona fashion e questi sono alcuni esempi di creazioni a lei dedicate: collezione Red Valentino 2014-15, D&G (2012), Vivienne Westwood (2007), le ultime, in occasione del suo 80° compleanno, sono l’abito da sposa di Monique Luhillier e la cappa di Alberta Ferretti, entrambe esposte nella vetrina natalizia di Saks Fifht Avenue di New York

Il Museo WOW di Milano ha preso spunto dal compleanno di Biancaneve per celebrare tutte le principesse Disney con una mostra…non abbiamo ancora avuto modo di vederla, ma ecco il link con le info:
http://www.museowow.it/wow/fr/sogno-e-avventura/